Bob Dylan - Oh Mercy (1989)

Assim como me ocorreu com o disco Blue de Joni Mitchell, quando conheci esse disco de Bob Dylan não tinha noção alguma da grande importância que o mesmo teve em sua carreira. Só vim a descobrir a relevância do álbum para o artista ao ler seu livro intitulado "Crônicas – Volume Um", no qual ele dedica um dos apenas cinco capítulos totalmente a esse álbum. Oh Mercy representou uma fase de recomeço para Dylan. No livro ele narra todo o processo de feitura desse trabalho, desde a composição até o último take da gravação. Boa parte do texto cita o produtor Danny Lanois, com quem Dylan teve uma intensa convivência e divergências criativas durante o processo de gravação do álbum.

“Political World” foi a primeira música composta dessa leva e coube a ela também a função de abrir o disco. Com sonoridade sombria e uma voz rascante de Dylan, os versos inicias já definem a música: “We live in a political world, Love don't have any place” (Vivemos em mundo político, amor não tem lugar). A letra foi escrita toda de uma vez e tinha pelo menos o dobro dos versos antes do compositor descartar parte deles. 

“Where Teardrops Fall” soa muito próxima do Dylan dos anos 70, especialmente pelo lap-steel tocado por Lanois e a o acordeom de Rockin’ Doopsie.

Segundo Dylan, o produtor Danny Lanois considerava “Everthing Is Broken” uma canção descartável. Dylan obviamente discordava dele. E o tempo provou que o compositor estava certo. 

“Ring Them Bells” é uma das faixas mais “enxutas" do disco, com acompanhamento apenas de piano, teclados e guitarra; e tem uma letra de tom épico e religioso: Ring them bells, for the time that flies/For the child that cries/When innocence dies (Toque os sinos para o tempo que voa/Para a criança que chora/Quando a inocência morre).

“Man In The Long Black Coat” e “Shooting Star” foram escritas praticamente ao mesmo tempo. Sobre a soturna “Man In The Long Black Coat”, Dylan escreveu que ela “tenta falar de alguém cujo próprio corpo não lhe pertence. Alguém que amou a vida, mas não pode viver, e cuja alma se amargura porque outros são capazes de viver”. Incerto de que conseguiu escrever músicas históricas para o disco como desejava o produtor Lanois, Dylan acredita que tenha chegado perto em pelo menos duas, e essa seria uma delas. Ele pensou nela como a sua “I Walk The Line”, música de Jonnhy Cash, que na visão de Dylan: "promove um ataque a nossos pontos mais vulneráveis, as palavras afiadas de um mestre".

“Most Of The Time” tem uma letra romântica como provavelmente apenas Dylan escreveria, na qual os primeiros versos sequer revelam que este é o tema da canção na qual ele apresenta um personagem forte e confiante que se curva diante uma paixão e, consegue compor versos diferentes para um assunto totalmente trivial: “Most of the time/I'm clear focused all around/Most of the time/I can keep both feet on the ground/I can follow the path, I can read the signs/Stay right with it, when the road unwinds/I can handle whatever I stumble upon/I don't even notice she's gone/Most of the time” (Na maioria das vezes/Eu sou tranquilo e focado com o que acontece ao meu redor/Na maioria das vezes/Eu posso manter os dois pés no chão/Eu posso seguir o caminho/Eu posso ler os sinais/Permanecer assim, quando a estrada se desenrola/Posso lidar com qualquer coisa que eu esbarre/Nem sequer noto que ela se foi/Na maioria das vezes).

 A levada arrastada de “What good Am I?” soa como um blues improvisado. A letra também foi composta toda de uma vez, como Dylan revelou. 

“Disease of Conceit” que ele assume ter um toque gospel, nasceu a partir da notícia da proibição de pregar ao pastor Jimmy Swaggart que também foi destituído da liderança da Assembleia de Deus devido à sua ligação com uma prostituta. Dylan que discordava da punição escreve no livro: “A Bíblia está cheia dessas coisas. Um monte daqueles antigos reis e líderes teve várias esposas e concubinas, e o profeta Oséias até foi casado com uma prostituta e isso não o impediu de ser um homem santo. Mas aqueles eram outros tempos, e para Swaggart foi o fim da linha”. Para Dylan que gravou o piano nessa faixa, disse que Arthur Rubinstein teria sido o instrumentista perfeito para tocá-la.

“What Was It You Wanted?” foi outra que ele diz ter composto rapidamente, letra e melodia ao mesmo tempo. Depois de uma pausa, o compositor voltava à ativa com o ímpeto dos primeiros trabalhos. Os timbres de guitarra com bastante efeito de tremolo e reverb que aparecem em várias faixas do disco reaparecem aqui e Dylan adiciona solos marcantes de harmônica.

Para a gravação de “Shooting Star”, Dylan confessa que gostaria de ter um ou dois clarinetes na gravação, mas fizeram com o que estava disponível na ocasião: Brian na guitarra, Willie, na bateria, Tony no baixo e Lanois no omnichord (um instrumento de plástico que soa como uma cítara) e, ele na guitarra e harmônica. A canção que segundo Dylan foi uma daqueles que surgiram completas, lhe dá a sensação de que ele mais “a recebeu” do que compôs. Nas palavras do compositor, era como se ele estivesse viajando pela trilha do jardim do sol e simplesmente a encontrasse ali. “Ela era iluminada. Eu tinha visto uma estrela cadente do quinta de nossa casa, ou talvez fosse um meteorito”. 

Como afirmou Dylan no livro "Crônicas": “... o disco não me colocou de volta ao mapa do mundo do rádio... ele obteve algumas resenhas boas, mas resenhas boas não vendem discos. Todo mundo que lança um disco consegue pelo menos uma resenha boa, só que há sempre uma nova sagra de discos e um novo conjunto de resenhas”. Ainda assim o disco se tornou um trabalho extremamente importante na obra de Dylan, a ponto de ser o único a intitular um dos capítulos do seu livro de memórias. Concluindo com palavras do próprio: “O negócio musical é estranho. Você o amaldiçoa, mas o ama”.

Bob Dylan – voz, violões, guitarra, piano, harmônica, órgão

Daniel Lanois  – dobro, lap steel, guitarra, omnichord

Rockin' Dopsie – acordeom em "Where Teardrops Fall"

Willie Green – bateria em "Political World", "Everything Is Broken", "Most of the Time", "Disease of Conceit", "What Was It You Wanted", "Shooting Star"

Tony Hall – baixo em "Political World", "Everything Is Broken", "Most of the Time", "Disease of Conceit", "Shooting Star"

Malcolm Burn – meia-lua, teclados, baixo em "Everything Is Broken", "Ring Them Bells", "Man in the Long Black Coat", "Most of the Time", "What Good Am I?", "What Was It You Wanted"

John Hart – saxofone em "Where Teardrops Fall"

Daryl Johnson – percussão em "Everything Is Broken"

Larry Jolivet – baixo em "Where Teardrops Fall"

Cyril Neville – percussão em "Political World", "Most of the Time", "What Was It You Wanted"

Alton Rubin, Jr. – “Tábua de lavar” em  "Where Teardrops Fall"

Mason Ruffner – guitar on "Political World", "Disease of Conceit", "What Was It You Wanted"

Brian Stoltz – guitarra em "Political World", "Everything Is Broken", "Disease of Conceit", "Shooting Star"

Paul Synegal – guitarra em "Where Teardrops Fall"

Obs: Todas as citações de Bob Dylan foram retiradas do livro "Crônicas - Volume Um", editora Planeta, 2005.

Jimi Hendrix Experience: Axis: Bold As Love (1967)

A primeira vez que eu ouvi Jimi Hendrix foi nos anos 1990, assistindo pela TV sua apresentação no Festival da Ilha de Wight em 1970. Ele viria a morrer 18 dias depois. Já antevendo que iria gostar (e gostei imensamente), coloquei o videocassete em ação e gravei o show que ainda permanece no meu arquivo. Tempos depois, tomei conhecimento de que aquela teria sido uma das suas piores apresentações, devido a problemas técnicos, e que entre uma canção e outra, o show era interrompido no intuito de sanar os problemas (essa parte obviamente não aparece no vídeo editado). A segunda experiência com sua música foi novamente audiovisual, assistindo a uma reapresentação também pela TV do seu show em Woodstock (outro registro que permanece guardado nos meus arquivos em VHS). Perdi a conta das vezes que assisti a essas fitas. A primeira vez que eu “só” ouvi o Jimi, foi através da coletânea “A Arte de Jimi Hendrix” lançado pela gravadora Philips. Consegui o vinil duplo emprestado de um amigo e copiei em fita K7 (desnecessário dizer que a fitinha ainda está devidamente guardada comigo?). Foi um susto (positivo), em razão de estar acostumado às performances enlouquecidas e altamente improvisadas do guitarrista, espantei-me ao perceber que ele realmente cantava (não apenas um trecho ou outro da letra como fazia ao vivo, parecendo não controlar sua energia musical e a vontade de tocar guitarra, como se a música brotasse contra a sua vontade em diversos momentos), também me surpreendeu a qualidade das gravações, os timbres, arranjos. Passei a gostar mais do Hendrix de estúdio do que o ao vivo, talvez contrariando a regra em que suas performances de palco eram altamente exaltadas. Certamente deve ter sido mágico para quem pôde vê-lo in loco. 

Axis: Bold As Love foi o segundo álbum de Hendrix. Lançado no dia primeiro de dezembro de 1967, exatamente seis meses após o não menos icônico Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band dos Beatles. Dois daqueles álbuns que devem ter sido ainda mais impactantes no universo pop para quem ouviu na época de lançamento, sem todas as informações musicais que vieram depois deles. O disco tem produção de Chas Chandler, baixista da banda The Animals, que foi uma espécie de “descobridor” do Hendrix, ao levar o músico norte-americano para a Inglaterra e tê-lo lançado lá, prestando um enorme serviço à música de todos os tempos. 

A faixa de abertura, “EXP”, é na verdade uma vinheta na qual um radialista fictício (narrado pelo baterista Mitch Mitchell) apresenta o também personagem Paul Caruso (narrado por Jimi) que convida os ouvintes para a experiência sonora que virá em seguida, já apresentando uma série de ruídos criados pela guitarra de Hendrix. “Up From The Skies” tem algo da influência jazzística de Hendrix, mas, sobretudo a bateria de Mitch Mitchell adiciona uma levada não muito comum ao pop de então. Hendrix cria uma base utilizando um pedal de wah-wah durante toda a música (não me recordo de uma gravação onde esse efeito fosse explorado durante toda a canção na base harmônica principal). “Spanish Castle Magic” apresenta um de seus riffs mais marcantes, e mais uma das bases não usuais de Hendrix que definiu muito do que viria a ser a sonoridade dos powers-trios junto com o baterista Mitch Mitchell e o baixista Noel Redding. “Wait Until Tomorrow”, outro dos clássicos do guitarrista tem uma guitarra com um swing funk que depois seria extremamente recorrente na música pop, mas que talvez também ainda não se tivesse ouvido antes de Hendrix. “Ain’t No Telling” com seu ritmo “quebrado” e passagens inesperadas, é mais uma das músicas de Hendrix que reforçam as palavras de Eric Clapton, quando disse que Hendrix fazia tudo diferente. Uma das suas mais belas melodias, senão a mais bela de todas é “Little Wing”, música que em pouco menos de dois minutos e meio de duração consegue condensar a melodia da canção a arranjos geniais de guitarra (a começar pela marcante introdução), unido a timbres singulares e um solo curto, mas de intensidade única. O glockenspiel tocado por Mitch Mitchell ajuda a realçar a identidade sonora original da canção. E não podemos esquecer que Jimi também sabia dar o recado nos vocais (lembrando daquela surpresa que comentei no início do texto ao descobrir que ele também cantava). “If 6 was 9” tem uma contundente e individualista letra escrita bem no meio de toda a questão hippie: “Now if 6 turned out to be 9/I don't mind, I don't mind/Alright, if all the hippies cut off all their hair/I don't care, I don't care/Dig, 'cos I got my own world to live through/And I ain't gonna copy you” (“Agora, se 6 acabasse por ser 9/Eu não me importaria, eu não me importaria/Certo, se todos os hippies cortassem todos os seus cabelos/Eu não me importaria, eu não me importaria/Sabe, porque eu tenho o meu próprio mundo para viver/E eu não vou copiar você”). Algo do tipo “seja você mesmo”, ou “seja seu próprio herói” como diria Lennon, que provavelmente deve ter agrado à mente do beatle. No solo e no final da canção, toda aquela sonoridade caótica de Hendrix que denunciava que o mundo não vivia tão em “paz e amor”.

“You Got Me Floatin’” inicia o lado B do disco com um riff rascante com distorção na medida certa, e a mesma loucura sonora que fecha o lado A. “Castle Made of Sand”, tem na introdução, mais uma das sacadas simples e geniais de Hendrix com acordes ascendentes e descentes passeando pela escala da guitarra e depois um turnaround ainda na onda de “Little Wing” com aquele timbre estalado característico das guitarras Fender Stratocaster. Junto aos versos, frases de guitarra invertida, inovação trazida pelos Beatles um ano antes no álbum Revolver (vide as músicas I’m Only Sleeping e Tomorrow Never Knows). Além do som, Hendrix revela-se um bom cronista na letra em que fala de forma cinematográfica de uma recorrente briga de casal: “Down the street you can hear her scream "you're a disgrace” /As she slams the door in his drunken face/And now he stands outside and all the neighbours start to gossip and drool” (“Descendo a rua, você pode escutar o grito dela: "você é um d*!"/Enquanto bate a porta na cara embriagada dele/e ele fica na rua/ enquanto os vizinhos começam a fofocar e conversar”). “Shes´s so fine” é a única música do disco não composta por Hendrix. O baixista Noel Redding assina a composição e assume o vocal principal da faixa que lembra muito o Cream em músicas como “Strange Brew”. “One Rainy Wish” é mais uma variante da sonoridade clássica de Hendrix com uma levada inicial meio arrastada que é atropelada no meio da canção por uma agressividade súbita e frases hipnóticas de guitarra. “Little Miss Lover” tem uma levada de bateria que depois seria muito presente nas músicas do Led Zeppelin, como “Heartbreaker” ou “The Song Remais The Same”, por exemplo. “Bold As Love” nomeia e fecha o álbum, outra grande melodia de Hendrix, quase nunca lembrado por esse seu lado compositor. Afora isso, a música foi gravada com a genialidade de sempre de Jimi. Apesar do lugar-comum e de todos os clichês que exaltam apenas o Hendrix guitarrista, é bom lembrar que mais do que o instrumentista genial, ele era um grande músico no conceito mais amplo do termo. As faixas desse álbum mostram isso, seja pelas suas composições, seja pela concepção dos arranjos, ou ainda o cuidado com timbres, e com todo o processo de gravação. Não esquecendo que suas letras também merecem respeito, especialmente pensando nos compositores de rock americano (em detrimento dos ingleses) que nunca foram dos melhores letristas, com algumas exceções óbvias, como Dylan.

Engenheiros do Hawaii - Uma Breve Viagem Discográfica: Os Anos Gessinger, Licks & Maltz

5. Capítulo IV

 O Papa é Pop (1990)

Considerado pela própria banda como um disco acidental em sua trajetória, assim como o ao vivo Alívio Imediato que havia interrompido a trilogia com as cores da bandeira do Rio Grande do Sul com os discos A Revolta dos Dândis e Ouça O Que Eu Digo, Não Ouça Ninguém, os Engenheiros do Hawaii apareceram com mais um disco provocativo desde o título no qual eles exploravam uma sonoridade mais pop do que haviam buscado até então. Para ajudar a atingir esse objetivo, Carlos Maltz utiliza bateria eletrônica em todas as faixas, teclados se fazem mais presentes, agora executados também por Humberto Gessinger juntamente com Augusto Licks, além das modernas guitarras e baixos Steinberger com seus captadores ativos, eles começam a utilizar os midipedalboards que produziam efeitos e notas digitais executados por Gessinger e Licks com os pés enquanto as mãos se ocupavam dos instrumentos habituais. 

O Exército de Um Homem Só I abre o disco com sua marcante introdução, executada num violão XII cordas por Augusto Licks, co-autor da canção com Humberto Gessinger e que é dedicada a Mathias Rust (piloto amador alemão que invadiu o espaço aéreo soviético em 1987 durante a Guerra Fria aterrando em plena Praça Vermelha como forma de protesto pela paz). A letra fala de resistência, ainda que solitária: “Não importa se só tocam o primeiro acorde da canção, a gente escreve o resto...”, ”Somos um exército, um exército de um homem só, no difícil exercício de viver em paz”. Era Um Garoto Que Como Eu Amava Os Beatles e os Rolling Stones foi a primeira visita ao repertório alheio cometida pela banda e se deu de forma totalmente acidental. A música passou a ser tocada pela banda nos comícios do então presidenciável, Leonel de Moura Brizola, quando eles sentiram necessidade de executar algo que pudesse agradar um público que para eles supostamente pudesse não conhecer suas canções. A partir de uma gravação extraída de um programa de TV ela começou a ser executada nas rádios e eles decidiram incluí-la no disco. De autoria de Franco Migliacci e Mauro Lusini, a canção é originalmente italiana e a letra em português é assinada por Brancato Júnior. Os Engenheiros mantiveram a introdução da versão lançada pela banda Os Incríveis e que era "chupada" da versão dos Birds da música Mr. Tambourine Man de Bob Dylan. Augustinho faria mais um de seus solos marcantes numa colagem de melodias que envolviam o tema da seleção brasileira na copa de 70 e os Hinos dos EUA e da Independência do Brasil (por acaso, a fonte utilizada no logo dos EngHaw também fora inspirada na mesma utilizada pelos Incríveis em num compacto no qual eles gravaram os Hinos Nacional e da Independência!). A canção era sucedida por O Exército de Um Homem Só, II, também assinada em parceria por Augusto e Humberto, uma variação de O Exército I e que tinham a função de fornecer uma introdução e conclusão para Era Um Garoto, sendo mais uma vez dedicada a Mathias Rust, tendo agora como motivo “seu maluco ataque a uma enfermeira na prisão”. (Para quem não conhece o caso e queira entender  melhor: http://obviousmag.org/archives/2009/04/mathias_rust.html). Nunca Mais Poder é outra canção da dupla Gessinger/Licks presente no disco e tem uma estrutura musical que leva a banda para um lado mais progressivo que seria mais desenvolvido no lado B do disco e nos dois álbuns subseqüentes da banda. O verso inicial “Todo mundo é moderno, todo mundo é eterno” ecoa na minha cabeça como que inspirados nas palavras de Carlos Drummond de Andrade “Cansei de ser moderno, agora serei eterno”. Também da safra Gessinger/Licks é a música Pra Ser Sincero, um dos grandes sucessos da banda e que apresentava Gessinger ao piano e Licks no teclado. Olhos Iguais Aos Seus ainda com Humberto nas teclas tem mais um de seus  bons trocadilhos, “?o que fazem as pessoas parecerem tão iguais?”, “o que fazem as pessoas para serem tão iguais?”.

A faixa título, outro grande hit do disco, só apareceria no lado B, com sua também marcante introdução de guitarra. A música O Papa é Pop tem uma das raras participações de outros músicos em discos dos Engenheiros com o grupo Golden Boys fazendo o côro. A Violência Travestida Faz Seu Trottoir começa com uma interessante introdução de baixo e tem mais uma daquelas letras quilométricas de Humberto e traz ainda a participação especial da cantora Patrícia (Marx). Com muitas variações melódicas e diferentes passagens instrumentais direcionava a banda para a linha progressiva, reafirmada na faixa seguinte, Anoiteceu em Porto Alegre com seus mais de cem versos e intrincadas variações instrumentais em mais de oito minutos de música. Fechando o disco, a curtinha, mas não menos interessante, Ilusão de Ótica, que traz um dos mais belos solos de Augusto Licks. As versões em fita K7 e CD trariam ainda a faixa bônus, Perfeita Simetria, com a mesma melodia da música O Papa é Pop, porém com letra diferente e algumas diferenças de arranjo.

Pela primeira vez a banda assinava a produção de um de seus discos. A crítica não aceitando se curvar a uma banda que não se curvava a ela cometeria exageros como criticar o público da banda e até as roupas que eles usavam.  A capa tem uma tarja sob o nome da banda assim como no primeiro disco Longe Demais das Capitais exibindo apenas a palavra "Engenheiros" na frente com o título do disco logo abaixo e o restante do nome da banda “Do Hawaii” na contracapa. Além da banda e um sofá vermelho no qual estão sentados Carlos e Augusto (com Humberto em pé à esquerda) a imagem mostra a guitarra Steinberger branca de Augustinho que seria uma das marcas registradas do músico e um pôster de Karol Józef Wojtyla, o Papa João Paulo II tomando chimarrão e usando um chapéu de gaúcho, numa foto de Carlos Contursi e pertencente a Leonel Brizola feita durante visita a cidade de Porto Alegre e que foi a inspiração inicial de Humberto Gessinger para a canção título do álbum. Na contracapa, uma foto em mesmo ângulo sem a presença da banda, mostra apenas o sofá, a guitarra e a mesma foto de João Paulo II com um efeito colorido lembrando as figuras pops criadas por Andy Warhol. O Papa é Pop foi o disco de maior sucesso comercial da banda ultrapassando meio milhão de cópias vendidas e confirmando que a banda estava certa: o Papa é (era) pop!