Engenheiros do Hawaii - Uma Breve Viagem Discográfica: Os Anos Gessinger, Licks & Maltz

6. Capítulo V

Várias Variáveis (1991)

Depois d'O Papa é Pop, os Engenheiros do Hawaii apareceram com mais um título e uma canção propositalmente cheia de aliterações, "A Pampa é Pobre/O país é pobre/É pobre à pampa/O PIB é pouco/O povo pena, mas não pára/A poesia é um porre/O poder, o pudor/Várias Variáveis/O pão, o peão/A pátria à flor da pele pede passagem...". Era a canção "O Sonho é Popular", anunciando um dos melhores discos da banda e servindo de prelúdio para a regravação de "Herdeiro da Pampa Pobre" de Gaúcho da Fronteira e Vainê Darde. Prato cheio para Augusto Licks apresentar mais um de seus personalíssimos solos, usando a técnica de tapping que consiste em tocar com as duas mãos na escala do instrumento. Augusto imprime personalidade ao buscar inspiração na música gaúcha e consegue soar diferente no uso de uma técnica na qual todos guitarristas soam iguais. “Sala Vip” é uma das canções mais pesadas e agressivas gravadas pela banda, tanto no instrumental quanto na letra ("Não, nem vem que não tem, eu não devo nada pra ninguém", "Tô de saco cheio, chega, deu pra mim, eu não sou do meio, não sou do meio termo, quero todos os gestos ou nenhum"). “Piano Bar” é outra balada com base nos teclados, agora nos comandos de Humberto Gessinger, deixando o parceiro Augusto livre para executar mais um marcante solo de guitarra. “Ando Só” mostra o trio "redondinho", com a bateria de Carlos Maltz com bastante punch, e as boas linhas de baixo e guitarra que inclusive dialogam durante o solo num jogo de pergunta e resposta. “Quartos de Hotel” com seu riff pesado na introdução surpreende o ouvinte ao desembocar numa base de violão transformando a canção numa balada que logo no primeiro refrão retorna ao clima mais pesado e fecha o lado A.

O lado B surge com a vinheta que leva o nome do disco, uma colagem de sons e ruídos, no melhor estilo “Revolution #9” dos Beatles, que apresenta mais uma vez um riff que apareceria em vários discos da banda (vide as músicas “Vozes” e “A Verdade a Ver Navios” presentes no segundo e terceiro discos dos Engenheiros respectivamente). “Sampa No Walkman”  inicia com o mesmo riff  de “Quartos de Hotel”, assim como eles já haviam feito em “A Revolta dos Dândis I e II”. A música presta uma homenagem a Caetano Veloso e a cidade de São Paulo (“a mesma esquina em outra canção”). Dois grandes instrumentais com dois solos perfeitos de Augustinho em ótima forma e domínio total de seu instrumento. “Muros E Grades” com um baixo pulsante e a bela introdução executada numa guitarra 12 cordas, se tornou um dos clássicos da banda com mais uma das instigantes letras de Humberto (“então erguemos os muros que nos dão a garantia de que morreremos cheios de uma vida tão vazia”; “levamos uma vida que não nos leva à nada”). “Museu de Cera” mantém a mesma pegada com instrumental vigoroso e o uso de samplers como em outras faixas do disco. Os versos finais são cantados à capella (o mesmo acontece na última faixa do disco). Na sequência, dois momentos acústicos e bastante despojados que dão a impressão que a banda gravou tocando ao vivo no estúdio, com Humberto ao piano, Licks no violão e Carlos na percussão, eles apresentam a breve “Curtametragem” ("A vida é uma viagem, passagem só de ida"..."A vida é uma viagem, bebida sem gelo engolida às pressas, às vésperas da sede"), nessa, eles erram no meio e recomeçam a canção; assim como fazem na introdução  da música subsequente, “Descendo A Serra”, que traz mais alguns bons versos da verve "gessingeriana" (“é sempre mais difícil dizer adeus quando não há nada mais pra se dizer”). Depois do bucolismo das duas baladas, outro momento quebradeira com a música “Não É Sempre”, Humberto apresenta ao longo do disco toda uma série de letras inspiradíssimas com seus trocadilhos cortantes e aqui não é diferente ("Acontece que eu não nasci ontem e até hoje sempre escapei com vida", “não queria estar no meu lugar, não queria estar em lugar nenhum), Augusto Licks comparece com mais um grande solo. Para fechar, “Nunca é sempre”, uma segunda parte da canção anterior com a mesma harmonia da primeira faixa do disco que o liga e o fecha como se fosse um livro.

A exemplo do disco anterior (O Papa É Pop), Várias Variáveis também teve a produção a cargo da banda, na verdade, como diria Carlos Maltz no mesmo ano: “o Augusto produz tudo, e quando ele grava eu o produzo”. A capa verde marca um retorno à trilogia idealizada a partir do segundo (amarelo) e terceiro (vermelho) discos da banda com as cores inspiradas na bandeira do Rio Grande do Sul, mas que havia sido adiada em razão do disco ao vivo (Alívio Imediato) e d'O Papa É Pop que eles consideram acidentais na trajetória discográfica da banda. Circulando uma foto do trio temos uma cobra mordendo o próprio rabo dando ideia de continuidade. As engrenagens continuam, agora apresentando símbolos da cultura pop como o Mickey Mouse; uma paródia da Coca-Cola aonde lê-se Beba Chimarrão no lugar do nome da marca de refrigerantes; distintivos dos clubes de futebol gaúchos, Grêmio e Internacional; o “Senta a Púa” da Força Aérea Brasileira e o “Já te atendo, tchê!” do Esquadrão Aéreo Pampa (com a também figura de outro personagem da Disney, o Zé Carioca, travestido de “Zé Gaúcho” com direito à cuia de chimarrão); o símbolo das Nações Unidas; um antigo discador de telefone; o trifólio, símbolo da radioatividade; o desenho o Homem Vitruviano de Leonardo Da Vinci; uma moeda de cruzeiro; a pirâmide iluminatti das notas de um dólar e até um Smile . A ideia original era usar logotipos de diversas marcas de carros, mas houve receio por parte da gravadora com o risco de problemas com as empresas, o que levou às mudanças no projeto. A contracapa traz ainda mais uma série de variações dessas engrenagens, com o logotipo da gravadora RCA, da Cruz Vermelha, o cartaz de Proibido Fumar, estrela de Davi, o “A” de anarquia, e os símbolos de masculino e feminino.Várias Variáveis é um dos discos mais rockeiros da banda e ao mesmo tempo manteve um pouco da vertente progressiva que a banda sempre cultivou embora nunca tenha entrado de cabeça nela.  

 

Obs: assim como os Engenheiros fizeram com o disco Várias Variáveis, eu dedico essa postagem ao homem só, seja ele quem for, esteja onde estiver.

Um encontro com a cantora Josephine Baker e o maestro Souza Lima

O único tipo de loja da qual eu gosto são os sebos de livros e discos. Não tenho paciência para ir em nenhum outro tipo de loja por mais que possa gostar ou precisar do produto que ela venda. Há alguns anos atrás, andando numa rua do centro de Belo Horizonte, deparei-me com um sebo que de tão pequeno mal cabiam os livros e o vendedor lá dentro. Ainda assim, consegui entrar, e como de hábito, procurei primeiro por livros sobre música, como sempre se tem poucos, confiro-os primeiro, para depois procurar outros temas. Um livro chamou minha atenção: A Cleópatra do Jazz de Phyllis Rose (Ed. Rocco), uma biografia sobre a cantora Josephine Baker. Já tinha visto ou ouvido algo sobre ela, mas não conhecia quase nada sobre sua carreira. A capa exibia uma foto de corpo inteiro da artista nua, porém, com suas “vergonhas” escondidas por um tecido que descia de suas mãos na altura dos seios até os pés. Dei uma folheada, pareceu-me interessante e resolvi levá-lo. Acabei gostando do livro e ainda mais da cantora. Josephine teve uma história fantástica, saiu de uma infância miserável em Saint Louis nos EUA para brilhar nos palcos do mundo a partir de um sucesso arrebatador na cidade na Paris dos anos 1920, que já era um grande centro cultural e intelectual com a presença de grandes escritores; e o sucesso das bandas de jazz, do teatro e da ópera. Josephine aparecia em cena com os seios à mostra e vestida apenas de um pequeno saiote, se tornou sua marca registrada, um em especial com arranjos que imitavam bananas. Ela ficou milionária e adotou doze órfãos das mais variadas etnias que ela chamou de Tribo Arco-Íris, a intenção da artista negra era promover uma convivência harmônica entre as “raças”, fruto do trauma de quem viveu nos Estados Unidos da América do início do século passado. Além de brigar pelos direitos civis negros em seu país, ela trabalhou como agente da Resistência Francesa durante a Segunda Guerra Mundial. Seu funeral em Paris, cidade que adotou como lar, reuniu uma verdadeira multidão em 1975 em frente à Igreja de La Madeleine.

Tempos depois, a caminho do trabalho, avistei outro sebo que também não conhecia, assim como o primeiro, e da mesma forma resolvi entrar. Seguindo o ritual, fui direto aos livros sobre música, a oferta também era a de sempre, poucas edições sobre o tema, mas entre eles achei a autobiografia do maestro brasileiro, nascido em São Paulo, Souza Lima com o título de Moto Perpétuo, a visão poética da vida através da música (Ed. Ibrasa). Além de regente, Souza Lima era também pianista e compositor, até então só o conhecia por nome, mas resolvi levar o exemplar, uma edição bem simples, com um texto mais simples ainda, de uma pureza quase ingênua. Souza Lima que escreveu o livro aos 84 anos, pouco antes de sua morte, se pareceu com vários senhores de mais idade com os quais eu gosto muito de conversar, sejam conhecidos ou aqueles simpáticos senhores e senhoras que dão bom dia no ponto de ônibus e comentam sobre o tempo ou alguma outra trivialidade para puxar assunto. Ele se apresentou como pianista ao lado de Villa-Lobos e da pianista francesa Marguerite Long que também foi sua professora. Foi titular da Orquestra Municipal de São Paulo durante 32 anos, e  entre outras orquestras, também regeu a Sinfônica Brasileira em ocasiões especiais, teve sob sua batuta, entre tantos nomes, solistas como o violonista Andrés Segóvia, a cantora Maria Lúcia Godoy, os pianistas Arthur Moreira Lima e Magda Tagliaferro. Para a minha surpresa, as histórias de Souza Lima e Josephine Baker se encontram num certo ponto do livro quando descobri que o regente também viveu em Paris na mesma época em que a cantora, e embora atuando em áreas diferentes (pero no mucho), ele na música erudita, e ela como cantora e dançarina de jazz e vaudeville. Ela aparece numa lista no final do livro entre os solistas que se apresentaram sob a regência de Souza Lima. O livro, no entanto, não revela detalhes desse encontro, mas eu posso dizer que os encontrei em esquinas diferentes de Belo Horizonte.

Alanis Morrisette – MTV Unplugged (1999)

  1.  You Learn

  2.  Joining You

  3.  No Pressure Over Cappuccino

  4.  That I Would Be Good

  5.  Head Over Feat

  6.  Princes Familiar

  7.  I Was Hoping

  8.  Ironic

  9.  The R The Thoughts

10.  King Of Pain

11.  You Ougtha Know

12.  Uninvited

Eu lembro de ter sentido um forte impacto na primeira vez que vi uma apresentação da Alanis na tevê, aliás, no mesmo canal pelo qual ela gravaria esse disco alguns anos depois. Ela cantou “You Oughta Know” numa festa da emissora americana retransmitida pela filial brasileira. Acabei gostando de outras canções presentes no disco Jagged Little Pill que além da canção já citada trouxe uma série de hits, porém o primeiro disco que comprei dela foi mesmo o Unplugged. Anos depois ao adquirir o Jagged Little Pill conclui que preferi todas as canções presentes nele nas versões do Unplugged. Ele é um dos meus dois unpluggeds prediletos, junto com o de Eric Clapton, entre todos lançados pela MTV americana. 

Embora Alanis tenha uma pegada rock, a sonoridade desse disco me parece ter muito mais a ver com o estilo de composição e interpretação vocal da cantora, puxando para um lado mais folk. Uma banda de primeira formada por Nick Lashley e Joel Shearer nos violões, Deron Johnson nos teclados e backing vocals, Chris Chaney no baixo, Gary Movak na bateria e percussão e Brad Dutz também na percussão, tendo ainda David Campbell na viola e arranjos de cordas, Suzie Katayama no violoncelo e arranjo de cordas de “You Outghta Know”, Joel Derouin e Laura Seaton nos violinos, Eric Friedlander no violoncelo dá o suporte perfeito para Alanis soltar a voz. Ela também toca violão, gaita e flauta em algumas músicas. O disco revela ainda o grande potencial como compositora, sendo todas as faixas assinadas por ela em parceria com Glen Ballard, ficando as exceções para “No Pressure Over Cappuccino” composta em parceria com Nick Lashley e “King Of Pain” de Sting.

Além de superar as versões originais de todas as canções no disco, (talvez a única exceção seja mesmo “You Outghta Know” que perdeu muito da sua força e energia rock,mas ainda assim não deixa a desejar), ela estava numa noite tão brilhante que mesmo sua versão para “King Of The Pain” do The Police me soa melhor que a gravação original da banda ( isso dito por um grande admirador do grupo inglês). Apesar de gostar muito desse disco nunca consegui me ligar a outros trabalhos dela, mas não me dou ao direito de cobrá-la, fico satisfeito com esse álbum que ocupa um lugar especial na estante.